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CULTURA ITALIANA NEL MONDO - STATI UNITI - CARNE E SANGUE: CAPOLAVORI ITALIANI DAL MUSEO DI CAPODIMONTE AL SEATTLE ART

(2019-10-02)

  Il Seattle Art Museum inaugura il 17 ottobre la mostra "Flesh and Blood: Capolavori Italiani dal Museo di Capodimonte (che rimarra' aperta fino al 26 gennaio, 2020).  40 opere d'arte rinascimentale e barocca (39 dipinti e una scultura) tratta dalla collezione di uno dei più grandi musei in Italia.

  La  mostra offre una rara opportunità di vedere opere di significativi artisti italiani, francesi, e artisti spagnoli che hanno lavorato in Italia, tra cui Artemisia Gentileschi, El Greco, Parmigianino, Raffaello, Guido Reni, Jusepe de Ribera, Tiziano e altro.

  Il Palazzo reale del Museo di Capodimonte, costruito nel 1738 da Carlo di Borbone, Re di Napoli e di Sicilia (in seguito re Carlo III di Spagna). ospita il nucleo della collezione Farnese ricca di antichità, dipinti e sculture, formata nel XVI e nel XVII secolo ed ereditata da Carlo di Borbone.  Ne fanno parte capolavori italiani e spagnoli del periodo barocco, prodotti a Napoli e realizzati per il Palazzo.
  La collezione Farnese ripercorre un secolo di creatività, ispirazione e costante ricerca della bellezza, seguita da capolavori di epoca barocca caratterizzati per grandezza, realismo drammatico e teatralità.

  La mostra segna la prima volta che tante opere lasciano la sede del museo di Capodimonte per proporsi all'attenzione del pubblico in altri continenti. I dipinti di questo "scrigno di un tesoro, in realta', poco conosciuto" (così lo definisce e il New York Times) si concentrano sulla figura umana, sia nei ritratti che in scene mitologiche e religiose. Esplorano l'incrocio dell'esistenza fisica e spirituale, con un'enfasi sul corpo umano come veicolo di sentimenti di amore e devozione, ma anche di lavoro fisico e tragica sofferenza.

“Sono entusiasta di avere la rara opportunità di vedere queste incredibili opere a Seattle ", afferma Chiyo Ishikawa  e curatore di pittura e scultura europea. “Epici e intimi, divini e brutalmente realistici, questi dipinti parlano della complessità delle esperienze umane in un modo senza tempo che  troverà un'eco nei  nostri visitatori."

  "Questa spettacolare mostra è una testimonianza della forte relazione tra Italia e Stati Uniti e alcune delle loro più grandi istituzioni culturali e associazioni ", afferma Armando Varricchio, Ambasciatore d'Italia negli Stati Uniti
Stati. "Gli organizzatori si sono tutti sforzati instancabilmente di rinnovare e rafforzare il legami della nostra amicizia e legami culturali profondi portando questo scorcio unico d'Italia a Seattle. "

La mostra Flesh and Blood è presentata cronologicamente, tracciando un periodo di 200 anni dal XVI al XVIII secolo.  Elementi salienti di questo percorso:

Antea (1524-1527) del  Parmigianino. 
L'identità del soggetto è un mistero, molto probabilmente si tratta di un ritratto suggestivo che rappresenta una visione di bellezza idealizzata tipica del Rinascimento.
Girolamo Francesco Maria Mazzola, detto il Parmigianino (1503-1540), si rivolge direttamente allo spettatore, ornato di pellicce e gioielli che potrebbero aver significato fertilità o lussuria.

Papa Paolo III (1543), del Tiziano
Tiziano (1488 / 90–1576) stabilì forti legami con la potente famiglia Farnese, a cominciare dal Papa Paolo III. In questo ritratto ufficiale, Tiziano offre una vivida  somiglianza che trasmette sia l'essere umano anziano che lo scaltro statista.

Danaë (1544-1545), di Tiziano
Questo dipinto apertamente erotico è uno dei nudi più famosi del Rinascimento. Raffigura la mitologica  principessa Danaë, il cui padre l'ha bloccata in una stanza in modo che nessun uomo possa raggiungerla. Il dio Zeus ottiene pero'  l'accesso trasformandosi in una nuvola dorata ed inondandola. Dipinto per il cardinale Alessandro Farnese, probabilmente ritrae la sua donna,  Angela, come dea. Il dipinto probabilmente era destinato solo ad una visione privata.

Ragazzo che soffia su una brace (1571-1572) di  El Greco
Questo dipinto di Doménikos Theotokópoulos (1541–1614), comunemente noto come El Greco, può fare riferimento a un dipinto antico menzionato dallo scrittore romano Plinio il Vecchio, raffigurante un ragazzo che soffia su una brace per accendere una candela. El Greco la usa come unica fonte di luce dell'opera, illuminando il viso concentrato del ragazzo

Pietà (1599-1600), di Annibale Carracci
Annibale Carracci (1560-1609) fu uno dei pittori e maestri più  influenti a Bologna ed a Roma. Questa efficace espressione del dolore materno alla morte di suo figlio è stata ispirata da dalla Pietà di Michelangelo nella Basilica di San Pietro in Vaticano.

Giuditta e Oloferne (1612-1613) di  Artemisia Gentileschi
Artemisia Gentileschi (1593–1653 o successivi) è la pittrice più celebre del periodo barocco. Nel suo lavoro, ha spesso dipinto scene drammatiche con soggetti femminili della Bibbia e della mitologia. Con questo dipinto, lei
raffigura la storia dell'eroina ebrea Judith che uccide il generale assiro Oloferne, che stava minacciando di distruggere il suo villaggio. La decisione della Gentileschi  di concentrarsi sull'atto violento è stata associata alla sua esperienza traumatica del 1611, quando fu violentata dal pittore Agostino Tassi.

Atalanta e Ippomene (circa 1620- 1625) di Guido Reni
L'influente pittore barocco Guido Reni (1575–1642) era noto per i soggetti biblici e mitologici. In questo dipinto, raffigura la storia di Atalanta, che aveva fatto voto di castità. Sotto pressione del padre, ha accettato di sposare il primo uomo che poteva superarla in una gara podistica. Ippomene vinse distraendola con tre irresistibili mele d'oro donategli da Venere.

Drunken Silenus (1626), di Jusepe de Ribera
Questa insolita raffigurazione di un classico baccanale si concentra su Sileno, compagno del dio del vino Dioniso. Ribera (1591–1652) rende il corpo con pennellate cariche e vitali tipiche del  suo stile naturalistico. Dipinto per un collezionista privato, sembra questo nudo maschile disteso e non affascinante rinviare alla bellezza fisica e il fascino erotico di una Venere rinascimentale.

San Girolamo (1626), di Jusepe de Ribera
San Girolamo è uno dei più frequenti soggetti dipinti dal Ribera. In questa monumentale pala d'altare, l'eremita emaciato e invecchiato è sorpreso dal angelo che appare in alto a destra soffiando la tromba del Giudizio Universale. I santo, presentato con corpo fortemente invecchiato,riflette la luce divina che scende dall'alto, domina la composizione e rende come palpabile il corpo di San Girolamo.

Sarà disponibile un catalogo illustrato di 160 pagine, che  contiene saggi di Sylvain Bellenger, direttore Generale del Museo e Real Bosco di Capodimonte; l'americano James P. Anno,  dei Friends of Capodimonte, Curatorial Fellow; e l'americano Christopher Bakke, degli Amici di Capodimonte (02/10/2019-ITL/ITNET)

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